Certains diront que l’œuvre de Christo n’est pas de l’art, d’autres qu’elle ne peut être comprise que si on se retrouve face à elle. Pour Christo, elle a pour but d’impressionner, de créer de nouvelles visions du monde qui nous entoure.%%% Christo, un couple d'artistes qui a révolutionné l'art contemporain et qui nous fait (re)découvrir les endroits les plus connus.
Premiers pas

Christo est le pseudonyme d’artiste d’un couple, Christo Vladimiroff Javacheff et Jeanne-Claude Denat de Guillebon. Christo est né le 13 juin 1935 à Gabrovo, Bulgarie et Jeanne-Claude est également née le 13 juin 1935 à Casablanca, Maroc. Après des études aux beaux arts, on confie à Christo la mission d’aménager les paysages bordant les voies ferrées afin de donner une image positive de la Bulgarie aux passagers. Cela va sans doute influencer à jamais son art. En 1956, il s’enfuit à Vienne après avoir eu quelques problèmes avec le pouvoir en place. En 1958, il s’installe à Paris où il vit en faisant des portraits. C’est en réalisant celui de Madame de Guillebon qu’il rencontre sa fille Jeanne-Claude. Jeanne-Claude fait des études de philosophie avant de rencontrer Christo. Ce dernier est l’artiste du tandem, elle s’occupe plus de l’organisation.
Sa carrière

En 1964, ils s’installent à New York (ils seront naturalisés) et commencent des projets de grande envergure : ils interviennent sur des monuments, des paysages entiers de manière éphémère en les recouvrant. C’est le land art ou l’art de révéler la beauté des paysages. On ne les reconnait plus, ils renaissent sous une nouvelle forme, une nouvelle identité. Cette particularité les démarque des autres artistes contemporains : travailler tant pour si peu de temps. Ce qui est indéniable c’est qu’au-delà de l’aspect artistique, ces créations nécessitent également un niveau très pointu au niveau de l'ingénierie, des techniques et du travail collectif. La réalisation d’un projet demande des années de démarches et d’investigations.
Son action

Leur travail a clairement un gout de liberté, car comme il le disait lui-même "l'urgence d'être vu est d'autant plus grande que demain tout aura disparu… Personne ne peut acheter ces œuvres, personne ne peut les posséder, personne ne peut les commercialiser, personne ne peut vendre des billets pour les voir…Notre travail parle de liberté." On dira de leurs œuvres qu’elles sont sans "pourquoi". Ils auront notamment recouvert le musée d’art contemporain de Chicago en 1969, onze ilots en Floride en 1983, le pont Neuf de Paris en 1985, le Reichstag de Berlin en 1995. Leurs financements proviennent de la vente des dessins préparatoires, des photographies et des expositions, des catalogues de leurs créations. Le 18 novembre 2009, Jeanne-Claude décède des suites d'une rupture d'anévrisme.

Je vous invite a faire un tour sur leur site qui est très riche, ils ont tant produit, il reste tant de choses a découvrir

https://christojeanneclaude.net/

les estampes modernes d'Ikenaga Yasunari


Où qu'on aille sur les internets, on trouve peu d'informations sur Ikenaga Yasunari, et ce sont toujours les mêmes : "né en 1965, cet artiste japonais travaille ses oeuvres aux pinceaux mensô (le fin pinceau japonais traditionnel en poil de chèvre), à l'encre de Chine sur toile de lin". Et ça s'arrête là. Peut-être parce que ses oeuvres se suffisent à elles-mêmes ?
 

En effet, Ikenaga Yasunari réalise des estampes contemporaines avec une sensibilité que nous ne pouvons que qualifier de prodigieuse. Cet artiste japonais s'attache depuis des décennies à travailler l'estampe de la manière la plus traditionnelle possible (fidèle au nihon-ga des siècles passés), mais au service d'une esthétique tout-à-fait actuelle. Le résultat sont des toiles - très grand format ! -extraordinaires de finesse, de douceur et d'application dans les détails. Yasunari s'intéresse énormément à l'art du motif et du drapé - c'est pourquoi ses toiles sont si travaillées dans leur composition graphique. Mais ce qui frappe avant tout chez lui sont les visages de ses sujets/modèles : un mélange parfait entre ultra-réalisme, techniques traditionnelles et esthétique contemporaine laissant poindre l'influence du manga. En trois mots : des chefs-d'oeuvre de subtilité et de grâce.


Le peintre japonais Ikenaga Yasunari 池 永 康 晟 est né dans la préfecture d'Onhia au Japon en 1965. Diplômé du Lycée Midorigaoka Universit 1984 Peinture et dessin japonais à travers la bibliothèque Shinzo Maeda. Ses peintures représentent de belles femmes, dont les expressions et les postures suggèrent une atmosphère de rêve. Les peintures d'Ikenaga présentent également des motifs textiles exquis. Ses sujets sont toujours des femmes des temps modernes, mais en même temps, le style de peinture Nihonga reflète les anciennes traditions japonaises, ce qui donne à ses œuvres une atmosphère intemporelle. Il crée son art en déposant des peintures japonaises dans la toile qu'il appelle «toile de lin», avec un pinceau Menso. Yasunari est l'un des nombreux peintres japonais contemporains à avoir dirigé le renouveau de la technique de peinture japonaise traditionnelle connue sous le nom de Nihonga. Historiquement, Nihonga était caractérisée par les médias ainsi que par les scènes quotidiennes du sujet, les fleurs et les paysages généralement exécutés avec des pinceaux tanuki (queue de chien viverrin) et des pigments à base de minéraux appliqués sur du papier washi humidifié.

Portraits calmes, subtils et rêveurs de femmes contemporaines, décorés de motifs floraux: voilà comment décrire les illustrations d'Ikenaga Yasunari.
Les portraits sont peints dans le style traditionnel japonais appelé Nihonga, légèrement modifié par l'artiste.
Ikenaga Yasunari 池 永 康 晟 est né dans la préfecture d'Oita et est diplômé du lycée Midorigaoka ( annexé au Collège préfectoral des arts et de la culture d'Oita ).
Peint sur sa toile de lin teinte, son "b ijinga (portraits / imprimés de belles femmes) " offre une structure et un goût sophistiqués.
Son premier livre d'art en 2014 a été un succès qui a duré au fil des ans et ses œuvres sont également publiées sous forme de tirages, de calendriers et de livres à colorier.
Même dans les pays étrangers, ses œuvres sont populaires comme papeterie et conception de roman.

Ikenaga Yasunarin'est pas une imprimante ukiyo-e. Il peint sur du lin, qu'il pré-traite et colore lui-même. Il utilise son propre ensemble de pigments minéraux et d'encre noire de carbone et l'applique sur la toile avec un mensofude (pinceau à pointe fine). Le mensofude (en crin de cheval) est principalement utilisé au Japon par les artistes mangas et permet à l'artiste de travailler dans les moindres détails.

Le portrait de ses modèles est central. Il dessine des séries de la même personne. Les visages sont toujours très réalistes et peuvent même devenir quelque chose de magique en raison de la pose, du réglage et de la découpe. Ils sont plus beaux qu'une photo ne pourrait jamais capturer. Au fil des ans, des séries de Shima, Mai, Tomoko, Yu, Sachiko, Makiko et Manami, Emiko et Natsumi, Mami, Moe, Honami et Yui ont vu le jour. Par souci d'exhaustivité, il convient de mentionner que Yasunari a également représenté un certain nombre de chats.

Yasunari a examiné de près Utamaro, mais a peut-être également été inspiré par l'Art nouveau de Gustav Klimt, entre autres. Les visages et les vêtements sont différents, de style différent. Les visages d'Ikenaga Yasunari sont délicats. Ils sont délimités par le kimono et le yukata avec des dessins détaillés et beaux beaucoup plus puissants ou plus serrés et des motifs (principalement des fleurs). Les couleurs dominantes sont le noir et le brun, bien que le rouge, le vert et le bleu soient également utilisés. Cependant, l'intensité de ces nuances est toujours très faible et va à l'encontre du brun. Les visages de 'ses' femmes sont indubitablement japonais, et la monture par le choix et le design de l'usage textile le souligne. Ses toiles ont de multiples tailles, mais certainement aussi le format allongé du kakejiku japonais, le 'rouleau suspendu'.

Née à Gap en 1971 et diplômée des Arts décos de Paris,elle se tourne d'abord vers le design et le graphisme en suivant des cours dans les années 1990 en atelier préparatoire, puis à l'ENSAD de Paris où elle entame le cursus "Graphisme".
C'est pendant ses études que Rébecca Dautremer commence à travailler en tant qu'illustratrice pour la maison d'édition Gautier-Languereau. Dès sa sortie de l'école, en 1995, la maison d'édition lui confie l'illustration d'un premier album, puis d'un second.  Rébecca Dautremer a débuté en jeunesse en 1995 en illustrant pour les Deux coqs d’or L’enfant espion d’Alphonse Daudet. Passionnée de photographie, elle s’en inspire pour le cadrage, la composition, les couleurs et la lumière de ses illustrations. En 2003, L’amoureux (Gautier-Languereau) lui vaut un prix Sorcières "Album". En 2009, Princesses oubliées ou inconnues, sur un texte de Philippe Lechermeier (Gautier-Languereau), est un succès et sera suivi de deux autres tomes. La même année, elle publie un Art Book au Chêne, et illustre et anime le film Kerity, La maison des contes, réalisé par Dominique Monféry dont l’album est publié par Flammarion.
Passionné par la photographie, son style unique est caractérisé par des points de vue toujours très originaux et une maitrise de la gouache et de la mine de plomb. Grâce à ses succès et la qualité de ses ouvrages, elle a réussi à dépasser les frontières de l’univers jeunesse et de toucher et atteindre un public plus adulte.

Le premier album sera suivi de nombreux succès parmi lesquels «  L’Amoureux  » et le célébrissime «  Princesses  ». Un coup d’œil suffit à reconnaître son style unique. Artiste exigeante, généreuse et éprise de liberté, elle cherche toujours à repousser ses limites, gardant la fraîcheur et la modestie de qui remet son ouvrage sur le métier, depuis déjà… 20 ans cette année !

GRAND PRIX DE L’ILLUSTRATION DE MOULINS 2019
PRIX FRANCO-ALLEMAND POUR LA LITTÉRATURE DE JEUNESSE 2019
PRIX CHRÉTIENS DE TROYES 2019

Une de ses créations les plus intimes, les plus émouvantes. Sublime. ELLE
Un album qui se contemple comme un tableau et se lit comme un conte philosophique. Le Figaro
Magnifique ! Olivia de Lamberterie, Télématin (France 2)
De l’émotion pure. Télérama
Splendide Grazia
Le héros de l’année n’est pas un super-héros, mais un lapin à la patte folle LIRE
Une ode à la vie simple. Le Point
Un album nimbé de délicatesse et de poésie. Livres Hebdo
Un conte subtil sur l’attente, l’amitié, l’amour et la famille. Point de vue
Une pépite. Midi libre
Un livre rare. La Croix

Décerné par le Musée de l’illustration de Moulins et remis lors de la 5e Biennale de l’illustration, la 12e édition du prix récompense Les riches heures de Jacominus Gainsborough de Rébecca Dautremer, paru chez Sarbacane en 2018.
Les riches heures de Jacominus Gainsborough de Rébecca Dautremer, publié en octobre 2018 par Sarbacane, remporte le 12e Grand prix de l’illustration.
Les riches heures de Jacominus Gainsborough -  
En douze scènes de genre au fil des saisons, Les riches heures de Jacominus Gainsborough fait le récit touchant de la vie de Jacominus Gainsborough, humble lapin aux oreilles courtes et à la patte folle, composée de petits riens, de joies, de peines, de doutes, d’épreuves et de grands moments en compagnie de ses fidèles amis Policarpe, César, Agathon, Byron et de sa compagne Douce. L’auteure y a inséré trois pêle-mêle et une dizaine de portraits du héros à différents âges.

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Certains livres s'exposent, se contemplent comme une œuvre d'art. "Les riches heures de Jacominus Gainsborough", fait partie de ces livres extraordinaires. IL est d'une beauté prodigieuse, à en couper le souffle. IL raconte l'histoire de Jacominus, un petit lapin modeste, à la patte folle, introverti, peu bavard, souvent dans la lune. C'est l'histoire d'une vie, remplie de joie, de peine, d'épreuves, d'amour... Il se lit comme un conte philisophique, sur le bonheur d'être en vie tout simplement.

Le petit théâtre de Rebecca Dautremer Gautier Languereau

Un petit bijou de papier où s'anime tous les personnages de cette illustratrice de talent.
C'est presque de la broderie. SUBLIME

Assise dans l'herbe un jour d'été, la jeune Alice rêve quand soudain un lapin blanc pressé passe devant elle. Brûlante de curiosité, Alice s'engouffre derrière lui dans son terrier et se retrouve plongée au pays des merveilles.

A l'occasion des 150 ans d'Alice au Pays des merveilles, le chef d'oeuvre de Lewis Carroll, l'illustratrice Rébecca Dautremer l'a revisité en grand format pour accompagner le texte en intégralité…l'occasion de découvrir ou redécouvrir cet incontournable en famille.
L'histoire vous la connaissez ? la jeune Alice rêve assise dans l'herbe un jour d'été quand un lapin blanc qui a l'air très pressé passe devant elle. Curieuse, Alice lui emboîte le pas et s'engouffre dans son terrier. Elle se retrouve plongée au pays des merveilles.
Pour moi Alice était forcément une petite fille blonde, plutôt sourianteici on découvre une fillette brune coupée au carré court, avec un visage sérieux : une image peut-être plus moderne et moins « conte de fée » mais surtout une image plus fidèle à la petite fille qui a inspiré le personnage d'Alice à Lewis Carroll et dont on voit la photo à la fin de cet album.
Au fil de la lecture, on découvre les magnifiques illustrations de Rébecca Dautremer qui alternent différents types de dessins (contours ou pleins, petit format ou double page)….mon passage préféré ? le thé bien-sûr !

Miles est un jeune musicien qui a un pouvoir très particulier. Quand il joue de sa guitare, il parvient si bien à transmettre ses émotions, qu’il touche au plus profond de chaque être vivant, quel qu’il soit, et submerge littéralement son public. Ecouter la musique de Miles, c’est ne plus être maître de ses sen- timents, de ses pensées et de ses gestes. Un beau jour, il tombe éperdument amoureux d’une jeune fille: Priscilla. Cette dernière voyage avec son frère, Cal, et est poursuivie par une bande de malfrats travaillant sous les ordres d’un sinistre personnage: Monsieur Enki. Monsieur Enki est le propriétaire d’un véritable empire fabricant une boisson: le Pronto Soda. Il cherche à lancer sur le marché un nouveau produit qui s’avère très dangereux pour la santé; Cal, danseur de claquette et ancienne mascotte de la boisson en a fait les frais: il est devenu aveugle. Motivée par la vengeance et par la volonté de révéler au monde les agissements de cette crapule, Priscilla se rend à Las Vegas, siège de la société Pronto, pour y rendre justice. Miles se lance sur ses traces, accompagné par Chance son meilleur ami âgé de dix ans et du Colonel, homme ambigu travaillant pour Pronto. Le Colonel espère bien vendre les talents de Miles à Monsieur Enki, car ce dernier est à la recherche d’une nouvelle mascotte pour le lancement de son produit. Au cours de leur périple, Miles et Priscilla se croiseront, au gré des nombreuses péripéties qui jalonneront leur parcours. Arrivé à Las Vegas, Miles finira par s’engager auprès d’Enki, mais pour mieux se rapprocher de sa belle et c’est au cours d’un final se déroulant pendant les fêtes du jubilée de Las Vegas qu’il finira par lui avouer son amour, la sauvant in extremis des griffes de Monsieur Enki. Le Colonel s’amendera de sa duplicité et Miles et Priscilla pourront enfin vivre pleinement leur bonheur.
Un film d'animation de 80 minutes
Produit par Clément Calvet, Jérémie Fajner, Lilian Eche et Christel Henon
Une coproduction Superprod, Bidibul Productions
Avec le soutien du programme Media de l'Union Européenne
Avec le soutien à l'écriture et au développement du Film Fund Luxembourg

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Pour voir le pilote, c'est ici
https://vimeo.com/150343842

Un bel album mélancolique sur les différences.

Monsieur Stein fabrique des marionnettes. Mais Monsieur Stein se sent très seul, aussi décide-t-il de fabriquer une marionnette qui lui ressemble. Seulement, avant même d'être achevée, la marionnette prend vie, et elle ne ressemble nullement à Monsieur Stein, déçu. Il la chasse et commence alors pour celui qui se baptisera Sentimento une longue quête. Il cherche celle ou celui qui sera capable de l'aimer. Mais Sentimento est tellement différent des autres qu'il les effraie. Jusqu'à ce qu'il rencontre Selma qui va lui apprendre à sourire...

Les illustrations de Rébecca Dautremer illustrent magnifiquement cette tendre histoire sur la différence et le rejet.

Sentimento est émouvant dans sa quête profondément humaine d'amour et d'écoute. 

Un très bel album poétique !

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 Mieux
https://www.filmcompletstreaming.fr/streaming-vf/47353/kerity-la-maison-des-contes-streaming-complet+vf/ 

 Ernest n'arrête pas d'embêter Salomé.
Il lui tire les cheveux,
fait tomber ses lunettes exprès...
La maman de Salomé dit que, peut-être,
Ernest est amoureux d'elle.

Mais ça veut dire quoi, amoureux ?

Sur ce sujet, tous les copains
de Salomé sont bien renseignés
et chacun a son mot à dire :
amoureux, c'est...

Qu'est ce qu'être amoureux ? s'interrogent les enfants dans la cour de l'école ?
Est-ce être comme Ernest, qui embête tout le temps Salomé ? Ou est-ce totalement autre chose ? Etre fou, être un ange, faire des bisous ? La question reste ouverte...
Un album qui ravira sans doute les petits, très beau avec sa dominante rouge, ses personnages typés et un peu farfelus. Mais qui ravira également les plus grands, qui eux aussi tentent souvent de résoudre cette bien épineuse question...

Une rencontre poétique et audacieuse autour de l'un des romans contemporains les plus élégants Soie, c'est une histoire. Elle commence avec un homme qui traverse le monde et finit au bord d'un lac silencieux. L'homme s'appelle Joncour. Le lac, on ne sait pas. On pourrait dire que c'est une histoire d'amour. Mais si c'était seulement ça, ça ne vaudrait pas la peine de la raconter. Illustrer Soie, c'est mettre une image sur le visage de Joncour mais pas sur celui de la mystérieuse inconnue, là-bas, au Japon. Ni sur le lac. C'est mettre des images sur un ver à soie long d'un kilomètre, une cigarette qui parcourt le monde, une folle scène d'amour, Flaubert, un éléphant et un catalogue d'objets rescapés d'un incendie. C'est mettre une image sur la fidélité envolée, l'amour en silence, les désirs et les souffrances. Des images partout qui re-racontent, à leur manière, une magnifique histoire.

Rêves, amour et secrets.
Princesse Capriciosa, Catch-catch, von Badaboum... Enfin un livre qui se penche sur ces princesses aux noms prometteurs mais injustement ignorées par la postérité ! À travers des illustrations riches et délicates,le stéréotype de l'univers princier est revisité avec poésie et malice,pour la plus grande joie des filles !
Un album magnifique, plein de poésie, qui invite au rêve.
 

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  • • • • Un livre qui porte superbement bien son nom : un trésor ! Un bijou, une pépite ! Brunetto Latini et Rébecca Dautremer nous offrent ce genre d'album où chaque page est tournée délicatement, en prenant bien soin de ne pas la corner... Vous voyez le genre ? . C'est un bestiaire médiéval aux illustrations exceptionnelles. Histoire, patrimoine, graphisme, tout y est. On y retrouve certains animaux emblématiques comme le dragon, la licorne ou la baleine. . Merveilleux voyage au cœur des légendes médiévales ! . «̴ La licorne est une bête redoutable, dont le corps ressemble peu à celui d'un cheval; mais elle a le pied de l'éléphant et une queue de cerf, et sa voix est tout à fait épouvantable.

Il rend les murs ordinaires extraordinaires en ajoutant une touche artistique

Un artiste russe utilise une technique ancienne pour transformer des murs en art, et le résultat est magnifique

Le bas-relief est une technique aussi ancienne que les tout premiers efforts artistiques de l’humanité, une manière de sculpter des figures légèrement surélevées à partir d’une surface plane. Des sculptures en bas-relief pouvaient être trouvées sur les murs de toutes sortes de bâtiments et de temples de l'Égypte ancienne, de Rome et de la Grèce, et maintenant elles font leur retour.

L'artiste russe Goga Tandashvili est un maître de l'art, apportant des scènes inspirées du monde naturel. Pensez aux oiseaux à longue queue, aux fleurs et aux luxueuses frondes de fougère. Les scènes se fondent parfaitement dans leur environnement, ce qui signifie que votre décoration intérieure devient en fait une belle œuvre d'art impressionniste. Goga est également peintre, et cela se retrouve dans ses sculptures. Il dessine sur le mur, puis ajoute de la matière au-dessus des lignes pour créer l'effet 3D, donnant vie aux intérieurs avec des textures et des contours vifs.

Mais comment fait-il? «J'utilise un outil différent selon le problème artistique: couteaux, couteaux, ciseaux, couteaux à palette, a-t-il expliqué à Bored Panda. «Le choix du matériau est également déterminé par la tâche, pour l'intérieur je travaille avec des mélanges de gypse, c'est l'ancien matériau qui a fait ses preuves depuis des siècles. S'il est nécessaire de travailler le bronze, le granit, le marbre, l'acier, etc., je pourrais aussi le faire. »

«Je m'intéresse principalement à l'image artistique et la matière est secondaire, bien qu'elle ajoute du caractère à l'œuvre. Je peins aussi, c'est mon premier amour. Je suis venu à la sculpture de la peinture et je suis très heureux de pouvoir la traduire en bas-reliefs.

Petite

Né à Madrid en 1966, Alfonso Brezmes est un photographe espagnol.
 
Le travail photographique d'Alfonso Brezmes se situe à la frontière de la fiction et du jeu. Ses oeuvres sont empreintes d'une grande poésie visuelle.  
C'est le cas des photographies de la série «Paraíso on obras» (Paradis en chantier) qui nous emmènent dans un pays imaginaire, sorte d'eden perdu. Un monde qui ne semble régi par aucune règle rationnelle ou prévisible. «Paraíso on obras» nous plonge dans une atmosphère surréaliste et onirique où tout semble pouvoir arriver. On y croise d'étranges créatures sorties de la nuit des temps, des personnages mystérieux, explorateurs, voyageurs, enfants égarés... errant sur les décombres d'un paradis perdu.Entre jungle et iceberg, Alfonso Brezmes dépeint les vestiges d'un monde idyllique qui a été précipité dans la chute et dont on perçoit encore quelques battements de coeur, plein d'ironie et d'espoir.     
 
Son travail photographique se situe à la frontière de la fiction et du jeu. Ses oeuvres sont empreintes d'une poésie visuelle qui, à travers des images subtiles, pénètrent nos rêves les plus secrets.
 
Lorsqu"il utilise le medium photographique de manière plus classique, comme dans sa série des « Short stories », ou fait appel à d'autres techniques - assemblages ou photomontages - il parvient à construire des images comme de délicats châteaux semblant toujours près à tomber. L"atmosphère surréaliste et rêveuse qui emplit chacune de ses oeuvres est toujours suggérée. Les fables qu"il nous raconte sont à chaque fois différentes. Alfonso Brezmes est un conteur. Il emmène le spectateur dans son univers, l"invitant à devenir acteur en imaginant la suite de l"histoire.
 
Outre la photographie, Alfonso est également connu pour ses collages, très appréciés des collectionneurs, à travers lesquels il exprime son talent pour construire des univers particuliers. Alfonso a participé à de nombreuses expositions personnelles et collectives.

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Composé de deux artistes polonais, Sainer & Bezt, ETAM Cru
Issu du mouvement Graffiti et Street art, les artistes polonais SAINER (né en 1988) et BEZT (né en 1987) originaires de Lódz et Turek en Pologne ont fondé le Crew : ETAM Cru.Diplômés en 2010 de l'Académie des Beaux-Arts de Lódz, ils se sont rencontrés sur les bancs de l'école. Ils vivent et travaillent actuellement à Varsovie (Pologne).
le collectif Etam Crew s'est imposé sur la scène street art avec des tags tout simplement époustouflants, aux couleurs surprenantes et aux dimensions extraordinaires !
En replaçant objets et personnages dans un contexte totalement incongru, ils invitent le public à rentrer dans univers imaginaire. Couleurs, postures, expressions, chacun des personnages des artistes témoigne de la diversité humaine qu'elle soit physique, mentale ou culturelle dans une expression entre surréalisme, naturalisme et techniques d'arts urbains.
Je vous laisse en juger par vous même

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De nombreux peuples indigènes et tribaux s'efforcent de conserver leurs traditions culturelles et leur caractère unique dans les pays où les droits humains fondamentaux sont menacés - de l'Éthiopie et du Kenya au Tibet, et du Mexique à l'Indonésie. Certains vivent leur premier contact avec le monde extérieur; certains ont survécu à l'exploitation et à la répression pendant des années; certains dont les cultures ont été décimées et tentent un retour - des gens qui tentent de conserver leurs traditions et identités culturelles.

Avec ses portraits époustouflants, Borges fait le pont entre le monde de ses sujets et le nôtre, offrant un portrait convaincant mais non sentimental de leur patrie, de leurs rêves et des relations familiales et communautaires étroites qui soutiennent leur vie. Dans son introduction, Isabel Allende réfléchit à l'importance du respect mutuel pour des individus différents de nous - des gens qui, comme ceux capturés par l'objectif de Borges, 'possèdent des ressources spirituelles profondes, une sagesse naturelle et une connaissance de leur environnement physique que nous avons perdu. '

Ces portraits de peuples indigènes et tribaux du monde entier témoignent tranquillement de la force et de la dignité inhérente à l'esprit humain. Enduring Spirit se concentre sur les individus qui perpétuent leurs traditions culturelles dans des pays allant de l'Éthiopie et du Kenya au Tibet, et du Mexique à l'Indonésie.

Phil Borges

Né à 13 November 1946, Rijswijk, the Netherlands
Mon intérêt pour le papier a commencé tout en travaillant comme un graveur, quand mes gravures avaient une telle profond soulagement, que le papier commercial ne pouvait pas remplir it.I décidé de faire mon propre papier et a été aidé par Jo Persoon à la Royal Dutch usine de papier, KNP. Il m'a appris à propos de rabatteurs pour rendre les systèmes de pâte à papier et de vide pour aspirer l'eau de la pâte, pour fabriquer du papier. Le batteur de laboratoire I utilisé était incapable de traiter des fibres longues, donc je construit un batteur de mon propre feuille de papier design.A est mince et solide et renforcée avec de très minces nervures de bambou, peut être comparé à une feuille. En battant une longue période de pâte, un jeu extraordinaire des forces se produit pendant le processus de séchage de ma sculpture de papier. Le papier se rétrécit considérablement, jusqu'à 40%, et la force de ce met le cadre de bambou anti-retrait sous le stress, tout comme une feuille quand il assèche.
 
Mes sculptures commencent comme totalement en 2 dimensions, feuilles colorées de pâte portant sur mon vacuumtable. Les formes dans mon travail sont causés par le séchage de la pâte et le rétrécissement à l'unisson. La simplicité de la matière, qui est le transporteur, la couleur, la texture et la forme, dans l'un, permet de travailler avec elle merveilleux et direct.To amener l'art du papier au public et être inspiré par des artistes de papier collègues
"Mon inspiration est un bourgeon, qui, au printemps, se déplie en une feuille. Une forme pliée compacte se nourrit avec de l'eau et se transforme en une grande forme spacieuse. En automne de cette feuille tombe de l'arbre, l'évaporation de l'eau et une petite nappe de fibres de curling autour de la colonne vertébrale est la fin de ce formulaire."

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Sicioldr est un peintre italien né en 1990, vivant et travaillant en Tuscania.Ses sujets sont des visions venant de l'inconscient qu'il représente en utilisant un mélange de techniques contemporaines et traditionnelles.
 
"Sicioldr est un mot inhabituel, il a un sifflement, brute et allusive son. Il s'est révélé mystérieusement à ma conscience il ya quelques années et maintenant, heureusement, il est devenu une partie de ma vie. Je ne me rappelle pas le moment exact où il s'est révélé, ni son origine sensorielle (auditive, visuelle?). En fait, je dois admettre que je ne sais même pas sa prononciation correcte. La seule chose dont je suis sûr, c'est qu'elle appartient au même monde que je représente dans mes œuvres. Je ne connais que deux mots de cette dimension d'au-delà, l'un est Sicioldr, l'autre est secret et je ne l'ai mentionné que quelques fois dans ma vie. La première fois que j'ai entendu le mot secret, c'était dans un cauchemar d'enfance. Je me suis caché dans ma maison d'une présence mystérieuse et sombre. J'étais complètement effrayée et, au plus fort de la peur, je l'entendais, par une voix féminine incompréhensible et ancienne (peut-être Lilith mésopotamienne?). A cette époque, j'avais des rêves récurrents liés à cette présence féminine et j'étais tellement opprimée que je ne pouvais pas dormir de peur de la rencontrer. Une divinité chthonic comme la Grande Mère, ambassadrice des profondeurs de l'esprit. Sa mémoire seule peut me causer des sentiments intenses de déséquilibre. Ce mot imprononçable m'a accompagné tout au long de l'enfance, je ne l'ai utilisé que pour définir ce type particulier de cauchemar et en général le royaume hermétique de la psyché, que j'appelle maintenant le charmant contact avec «l'Âme». Tandis que ces mots évoquent l'inquiétude du côté obscur de l'humanité, Sicioldr devient pour moi une figure de lumière, le héros mythique qui, avec une lanterne et un bouclier, effectue κατάβασις et extrait le contenu de l'abîme pour le conduire à la lumière. C'est l'agent spéléologique qui rend l'inconscient conscient. L'histoire de Sicioldr dans le monde de la créativité est un voyage d'exploration et d'introspection, un voyage Dantesco où des personnages mythiques se mêlent à des corps infusés d'énigmes, des regards sibyllins de figures hermaphrodites, des déserts sans fin, des règnes végétaux et animaux entrelacés dans des forêts indescriptibles, Les brumes, les mystérieuses idoles, les éclipses, la métamorphose sont ce que je vois quand j'ouvre «L'Oeil»: «Oculatus Abis".

 Moe